Сайт образовательно-информационного
сетевого издания «Звуки Красок»
сетевого издания «Звуки Красок»
Большой опыт, накопленный человечеством в области создания одежды, ее элементов и аксессуаров, послужил базой, на основе которой зарождался такой вид дизайна, как дизайн одежды. Промышленная революция XVIII — начала XIX в. привела к появлению машин в текстильном производстве. Эти изобретения позволили увеличить объем выпуска шерстяных и льняных тканей. Однако в условиях индустриального производства текстиля одежда по-прежнему изготовлялась вручную. Дизайн одежды как вид дизайнерской деятельности возник, когда появилась возможность массового производства одежды, т.е. с изобретением швейной машинки Зингера во второй половине XIX в. К тому времени человечество накопило богатый опыт в создании одежды с помощью ручного шитья. С конца XIX в. идет параллельное развитие костюма: от-кутюр (от франц. haute couture — высокое шитье) — индивидуальное решение образа костюма как эксклюзивного образца данного вида искусства; прет-а-порте (от франц. pret-a-porter — готовый к носке) — тиражированная промышленным способом готовая модель как продукт дизайнерской деятельности.
Человечество в течение тысячелетий занималось изготовлением костюма как вида искусства, как вида художественного ремесла. И об этом необходимо рассказать подробнее.
В глубокой древности, когда большинство будущих цивилизаций находилось в полудиком состоянии, в Египте уже было государственное устройство, письменность, развитое искусство, высокоорганизованный быт. Египтяне изготавливали изумительную по красоте одежду. Наиболее любимым и популярным текстилем египтян был лен, хотя они умели производить и шерстяную ткань, причем очень тонкую, почти прозрачную. Но в условиях жаркого климата предпочтение, конечно, отдавалось льну. К тому же фанатично верующие египтяне считали, что шерстяная одежда оскверняет храмы. У египтянки платье на бретелях или с цельнокроеными рукавами называлось калазирис. Белый льняной калазирис отделывали яркой цветной тесьмой, вышитой или вытканной. Смуглые тела египтян прекрасно гармонировали с белыми одеждами. Особенно нарядными считались калазирисы, украшенные бусинками или тесьмой с золотой вышивкой. Самыми роскошными одеждами были те, что выполнялись из легчайшего льна. Такая одежда была необычайно красива. По прозрачности ткань напоминала современный газ — это тончайшая шелковая ткань. Была в Египте и ткань в виде нежной сеточки из золотых нитей и жемчужин. Часто именно она являлась верхним слоем в многослойных одеждах знатных египтянок. Появление прозрачных тканей способствовало созданию калазириса новой формы: с крылообразными рукавами. Словно стеклянный футляр покрывал он тело царицы, придавая ей вид сказочной птицы. Впечатление усиливалось, когда она надевала шапочку в виде ястреба с опущенными крыльями. Часто калазирис выполнялся из плиссированной ткани. Плиссированная прозрачная ткань была легкой и пластичной. Этот наряд обычно надевался прямо на обнаженное тело, а сверху драпировалось прозрачное и легкое, словно дымка, покрывало. Такие одежды еще более усиливали впечатление холености, изнеженности, ведь носили их только аристократки.
Дамы в Древнем Египте также охотно носили цветные, узорчатые калазирисы. Такие одежды в сочетании с ярким макияжем эффектно подчеркивали особую изысканность восточной красоты египтянок. Недаром, завоевав Египет, персы, греки, а затем и римляне, не могли устоять перед чарами восточных женщин и заключали с ними браки. Тончайшие одежды, обилие изысканных украшений, красивые парики и обувь — далеко не полный перечень того, что носила, например, жена фараона. Ей полагались атрибуты царской власти: головной убор в виде ястреба и скипетр в виде лотоса. Царица Хатшепсут была единственной египтянкой, правившей страной в качестве фараона. Поэтому она носила атрибуты власти фараона: полосатый платок клафт, накладную бородку и жезлы. Египтянки стали эталоном для подражания у народов древности. Когда греки во главе с Александром Македонским завоевали Египет, они были поражены роскошью и красотой дворцов, интерьеров и костюмов египтян. Полководец Македонского по имени Птолемей, забыв свою возлюбленную, женился на прекрасной египтянке. После смерти Македонского династия Птолемеев долго стояла во главе Египта, пока его не завоевали римляне. К тому моменту в Египте правила молодая царица Клеопатра. Она была представительницей тринадцатого поколения Птолемеев. Прекрасная Клеопатра покорила сначала Цезаря, а затем Антония.
Надо отметить, что и мужская половина населения Египта понимала толк в одежде, особенно в период правления Тутанхамона. Сам фараон носил прозрачную одежду, напоминавшую юбку, которая называлась синдон. Вот как описывал наряд Тутанхамона в период пребывания его послом Эхнатона на острове Крит Д.С.Мережковский в своем произведении «Рождение Богов» («Тутанкамон на Крите»):
"Перед зеркалом из красной меди подводил ему глаза особый мастер. Власодел примеривал на бритую голову его парики различных образцов — сводчатый, лопастный, черепичатый. Брадобрей предложил ему два рода подвязных, на тесемочках, бородок: Амонов кубик из жесткого черного конского волоса и Озирисов жгутик из белокурого волоса ливийских жен. Ризохранитель принес белое платье из тончайшего «царского льна» — «тканного воздуха», все в струйчатых складках; широкие рукава в складках перистых похожи были на крылья, туго накрахмаленный передник выступал вперед многоскладчатой... как бы стеклянной пирамидкой. Когда Тута оделся... то сделался похож на облако: вот-вот вспорхнет и улетит".
А теперь наш путь лежит на запад, вдоль северных берегов Средиземноморья — в Грецию и Рим. Эти великие цивилизации очень схожи в культуре и искусстве. В античных Греции и Риме были наиболее распространены одежды, которые мы называем драпирующимися. Они получаются из цельного куска ткани, задрапированного вокруг тела. Они красиво и надежно держались на теле, а люди в них выглядели словно ожившие статуи богов, сошедшие с пьедесталов. Ношение таких одежд имело свои особенности: надо было держать осанку и иметь неспешную походку, что и вырабатывалось веками. Иначе все это драпированное великолепие могло сразу потерять свои прекрасные свойства. Итак, мы в античной Греции - Великая цивилизация Средиземноморья... Белые храмы, белые одежды и синее море, медленно несущее свои волны к берегам этой страны. Греки создали и довели до абсолютного совершенства драпирующиеся одеяния из прямоугольных кусков ткани разной длины и ширины, их часто оформляли орнаментами, напоминающими морские волны. Одежды выполнялись в основном из льна, иногда окрашенного в пурпурный или иной цвет, но более всего греки любили белые, именно они придавали им сходство с мраморными изваяниями богов. Женщины носили длинный хитон. Особенно популярен был дорический хитов из неширокого куска ткани, заложенный вертикальными складками. В нем гречанка напоминала дорическую колонну, стройную и белоснежную. Строгая красота и элегантность белых драпированных одежд, изысканные дополнения при отсутствии излишеств, сдержанность и благородство в поведении — все создавало впечатление гармонии внешней и внутренней духовной красоты человека. В этом чувствуется прообраз будущей европейской элегантности, так сильно отличающейся от изысков Востока. И вновь вспоминается знаменитая фраза Перикла: «Мы любим красоту без прихотливости...».
Мужчины часто вместо хитона носили гиматий, игравший роль верхней одежды, плаща. В гиматии мужчина выглядел божественно, но все-таки уступал римлянину в изысканности своего наряда. Так что же такое носил древний римлянин, что даже элегантный грек восхищался его костюмом? Верхней одеждой римлян была тога. Это было излюбленное одеяние мужчин несмотря на то, что видов верхней одежды у них было много. Кусок ткани, из которого изготовлялась тога, был не прямоугольным, как у греков, а эллипсовидным или овальным. Это способствовало образованию каскада изысканных, полукруглых складок, плавно ниспадающих по телу сверху вниз. Конец тоги перебрасывался через левую руку отвесно. Самой совершенной считалась белая шерстяная тога. Идеально задрапированная тога придавала ее владельцу царственный облик. Она превратилась в национальную одежду римлян, приобрела церемониальный характер, символизировала зрелость. Молодой человек, достигший своего совершеннолетия, надевал ее в торжественной обстановке публично, и это означало, что он получил права римского гражданина (рис. 2.11). Тога была не сшивной, она ткалась цельным куском, размеры ее достигали шести метров. Знатные патрицианки, как и простолюдинки, сами ткали тоги для своих супругов. Известно, что Ливия, жена Августа, вместе с дочерьми выткала для него тогу, чем Август очень гордился. Иностранцы, изгнанники и рабы не имели права носить тогу. Драпировать ее было очень трудно. Делать это римлянину помогали раб или жена. Тога не имела никаких крепежных элементов, складки были идеально распределены, и она отлично держалась на теле благодаря тому, что ее владелец держал осанку, шагая неторопливо, с горделиво поднятой головой. Роскошь, помпезность, торжественная церемониальность и театральность в одежде, быту и общественных местах были очень характерны для римлян.
А что носили европейские народы в эпоху Средневековья? Вспомним, что варвары, разрушив Древний Рим, осели в Европе. К XI — XII вв. (романский период) они уже достигли в своем развитии определенных успехов: умели строить замки, храмы, дома, делать простую мебель и шить одежду из льна и шерсти ярких цветов. Мужской и женский костюмы этого периода схожи. Разница состоит лишь в том, что мужчины носили штаны, которые, впрочем, все равно не были видны под длинными одеждами. Все население Европы носило длинные одежды из сукна, шерсти и льна. Одежды были многослойны, контрастны по цвету и по-своему красивы. Если платье было красным, то плащ мог быть синего или зеленого цвета. Гладкокрашеные шерсть и сукно хорошо сочетались с цветной каймой, а еще лучше — с поясами и пряжками из золота, серебра и бронзы, прекрасно дополнявшими костюм. Калейдоскоп ярких красок в одежде был созвучен разноцветному колориту витражей средневековых соборов, цветные блики которых светились на костюмах прихожан.
Шли века. Наступил XVIII век, эпоха рококо, период изысканности, утонченности, маскарадности в одежде. Каприз, прихоть, легкость, игривость... Какие еще подобрать слова, чтобы наиболее точно описать атмосферу этой эпохи наслаждений? Женщина XVIII в. — воплощение утонченной грации. Во Франции моду в те годы задавали фаворитки королей, например мадам Помпадур, приближенная Людовика XV, считавшаяся очень красивой. В период позднего рококо изменились объем и форма куафюр (причесок). Фантастические размеры и виды париков и причесок позднего рококо поражали европейцев, приезжавших в Париж. Жизнь эпохи напоминала театр со сказочными декорациями и персонажами. Дамы, словно фарфоровые куклы, грациозно ступали в атласных туфельках на каблучках. На их головах воздвигались огромные сооружения из волос, шиньонов, фальшивых локонов и буклей, украшенные нитями жемчуга, цветами и различной бутафорией. Огромная прическа вынуждала женщину ступать осторожно, маленькими шажками, словно на ее ножках были хрустальные башмачки. Рококо — это и впрямь сказка. Сказка с печальным концом, как у Андерсена... Революция 1789 года положила конец веку веселья и беспечности.
Прошли годы, прежде чем наладилась жизнь и родилась новая мода, мода классицизма, когда женщины носили одежды, напоминавшие античные хитоны и туники. Эти платья с подхватом под грудью, сшитые из тончайшего муслина, назывались шмизами. Именно с моды на шмизы и броши-камеи начался XIX век. В них блистали известные красавицы эпохи Наполеона I: Жозефина, мадам Рекамье и др. В шмизе и с прической «а-ля грек» (волосы укладывали в виде узла) танцевала на своем первом балу и героиня романа Льва Толстого Наташа Ростова.
Начало XX века, модерн... Облик дамы эпохи модерна достаточно точно можно выразить набором следующих существительных: воздушность, томность, нежность, чувственность, сверхженственность... Добивались этого хрупкого образа представительницы прекрасного пола ценой больших жертв, ведь к новому типу женского платья полагался очень узкий корсет, а нормальной считалась талия в 45 — 53 см! Сверхузкие корсеты оказались слишком дорогой ценой за красоту и образ женщины-цветка. Врачи забили тревогу в связи с последствиями ношения корсетов. К тому же время всегда требует новых идей.
Развитие техники, езда на велосипеде, мотоцикле, автомобиле, путешествия по железной дороге, занятия спортом — все это вызвало необходимость сделать одежду более удобной и практичной. Появились ее новые виды и фасоны: реформа стала необратимой. Повседневная одежда современного человека тяготеет к функциональности и простоте покроя. В истории костюма известно множество технических приспособлений. Стремление сделать костюм царствующей особы исключительным требовало совершенствования технических возможностей. Их уровень при создании художественного образа человека в костюме от древних цивилизаций и до настоящего времени постоянно возрастал. Сегодня эти достижения можно назвать истоками дизайна. Как уже было сказано, к XX в. сложилось два вида деятельности в области создания костюма: средствами от-кутюр (совместная деятельность многих специалистов над эксклюзивным образцом модели) и способом прет-а-порте (производство более упрощенного варианта модели небольшими партиями). Большинство кутюрье участвуют в обоих видах деятельности, так как они тесно связаны между собой.
Создание исключительных, роскошных образов «наместников бога на земле» в древности — это первые в истории костюма примеры творения эксклюзивных образов, сделанных с помощью тканей, одежды, аксессуаров, макияжа, парикмахерского и постижерного искусства (создание париков, украшений и изделий в виде накладных локонов, буклей, шиньонов и др.). Все эти средства применяются и сейчас в высокой моде от-кутюр, но, конечно, на современном уровне.
Как уже говорилось раньше, haute couture в буквальном переводе с французского означает «высокое шитье». В более широком смысле это словосочетание понимается как «высокая мода». Родоначальником высокой моды считается англичанин Чарльз Ворт (1825 —1895), творивший в Париже. Он придумал манекен и полуманекен и изобрел метод кроя способом наколки ткани на манекене, а затем шел крой и пошив вручную. Талантливый англичанин изобрел также способ показа коллекций на живых моделях. Фирменный знак, ленточку с вытканным именем кутюрье тоже придумал Ворт. Он заложил основы и традиции высокого шитья, когда модель является произведением искусства, шьется вручную и ее нельзя купить, но можно заказать такую же.
Центр высокой моды — это Париж. Показом коллекций Домов высокой моды занимается Палата высокой моды (профсоюз французских модельеров — кутюрье). В нее входят Дома: Шанель, Унгаро, Кристиана Диора, Ива Сен-Лорана, Живанши, Жана-Поля Готье, Ханаэ Мори и др., обычно их около двадцати. В одном доме моды работает до двух тысяч специалистов по пошиву платьев от-кутюр. Такие платья по-прежнему шьются вручную. Это отличает их от промышленных образцов. Работа по изготовлению такой модели трудоемкая и дорогостоящая. В ее создании участвуют высококлассные швеи, вышивальщицы, вязальщицы, специалисты, владеющие умением создавать драпировки, пришивать бисер и пайетки, пуговицы, делать отделку из перьев и меха и многое-многое другое. Платье от-кутюр может стоить до ста тысяч долларов. Понятно, что одеваются в Домах высокой моды лишь люди, имеющие очень высокие доходы. Это — мировые звезды, принцессы, герцогини, представители известных фамилий. Сегодня сильную конкуренцию французской моде от-кутюр составляет итальянская мода. Она называется алъта-мода.
Блистательный Поль Пуаре (1879 —1944). Начало его творчества совпало со временем, которое отмечено упадком вкуса. Кабаре, оперетта, рестораны, танцы, низкосортные развлечения — все это не требовало особо изысканных, стильных туалетов. В эту эпоху шли становление, а затем блестящий расцвет творчества великого кутюрье. Он стал первым модельером XX в. и выдающимся реформатором женского костюма. Благодаря Пуаре женщины навсегда избавились от узких корсетов, которые вредили их телу. Пуаре задавал не только моду, но и стиль, образ жизни. Это был прекрасный художник, импровизатор, блестящий декоратор и закройщик, большой эстет, разбирающийся в свойствах цвета и текстиля, в истории искусства и фольклоре, тонко чувствующий женскую психологию. Пуаре предложил женщине чулки телесного цвета вместо белых и черных, которые почти всегда были в диссонансе с костюмом, а жесткие корсеты заменил бюстгальтерами современной формы. Он научил людей относиться к костюму, как к важной составляющей общей культуры, и уважать свое тело таким, каким создала его природа. Еще в юности, работая в салоне известного портного Дусе, он познакомился со знаменитыми актрисами Сарой Бернар, Мистенгет и Габриэль Режан. Набираясь опыта общения со знаменитыми клиентками, он видел изысканную красоту элегантнейших дам Парижа, их особую психологию восприятия прекрасного. Все это пригодилось позже, когда в 1903 г. он открыл свой собственный Дом, который сразу привлек внимание знаменитых клиенток. Пуаре был заядлым театралом. Именно в театре, на балетных спектаклях во время «Русских сезонов» в Париже, он впервые увидел костюмы и декорации к балетам, выполненные русским художником Л.С.Бакстом.
Работы этого художника вдохновляли Пуаре в его творчестве. В очередной из «сезонов» шли постановки «Шехерезады» и «Клеопатры», оформлением которых занимался Бакст. Яркие краски, блеск декораций и костюмов, экзотичность и восточная пластика повергли в изумление «продвинутую» парижскую публику. Восточные мотивы взбудоражили воображение и фантазию портных, мебельщиков, оформителей интерьеров и парфюмеров. Пуаре был первым, кто воплотил восточный стиль, ставший необыкновенно популярным. В одежде это был каскад ярких, экзотических цветов: алые, апельсиновые, лимонные, ярко-бирюзовые, синие кобальтовые, малахитовые и изумрудные — словно перья райской птицы. Костюмы Пуаре дразнили, искушали, затягивали в сказочный мираж, полный красок, чувственных ароматов и иллюзий. Созданные им наряды несли в себе яркие черты ориентализма (от лат. orientalis — восточный). Их сопровождал пряный запах духов с восточными ароматами мускуса, апельсина и сандала: «Минарет», «Мандарин», «Щербет», «Аладдин», «Магараджа», «Запретный плод», «Китайская ночь». Благодаря Пуаре ориентализм проник в интерьеры особняков аристократической знати и промышленных магнатов, салонов светских львиц и богатой богемной публики и даже квартир более бедной интеллигенции. К 1911 г. слава Пуаре достигла апогея. Пестрые краски Востока надолго завладели Парижем. В эскизах Пуаре мы видим японские кимоно, персидские вышивки, пестрые батики (роспись по шелку), парчовые тюрбаны с мехом и перьями и многое другое. В том же году он организовывает первое в истории от-кутюр турне по столицам Европы с участием красивых и стройных манекенщиц. Привыкшая к сдержанности Европа сначала неоднозначно восприняла коллекции Пуаре, но потом рукоплескала. Однако как личность, увлекающаяся сразу многим, Пуаре не смог четко контролировать свое экономическое положение и потерпел финансовый крах. Он продал коллекцию полотен Матисса, Дом моды, школу и занялся живописью и писательской деятельностью. Недолгий период блистательного творчества великого мастера оставил глубокий след в истории моды XX в.
Королева моды Габриэль Шанель (1883 — 1971). Если Пуаре произвел реформу женского костюма, то Шанель сделала ее необратимой. В 20-х годах XX в. рождается новый идеал красоты женщины. В ее облике появляются черты независимости. Это — женщина-подросток, женщина-мальчик («бэби», «гарсон»), длинноногая, тонкая, с узкими бедрами и неакцентированной талией, с короткой мальчишечьей стрижкой («буби-копф»). Одновременно она нежная, чувственная, трогательно-хрупкая. Это подчеркивается стильным макияжем: яркими губами и томным взглядом подкрашенных глаз. Загар, блеск коротких волос, яркие губы, сигарета с длинным мундштуком, обнаженные руки и спина, летящие шелка и шифоны, мягко обволакивающие стройную фигурку, — таков пленительный образ женщины того времени. В мир моды, где всегда царит жесткая конкуренция, смело вступает Габриэль Шанель (Коко Шанель), сделавшая много открытий в индустрии создания одежды. «Вкус феи, глаза и голос женщины, фигура подростка», — это говорили о Шанель. Ее сравнивали с эльфом, хрупкой и трогательной птичкой. Слово «Коко» удивительно подходит к образу этой маленькой женщины. В молодости Шанель пела песни в кабаре. Самыми популярными были «Кокорико» и про «Коко». Так появилось ее прозвище Коко (от франц. coco — курочка). Став известным мастером, Шанель ввела в эмблему своей фирмы две скрещивающиеся буквы «С» — начальные от Коко и от Шанель.
Ее творчество расцвело в 1920 — 1930-е годы — времена больших изменений в облике женщины. Шанель предлагает клиентам те модели, которые любит носить сама: прямые юбки с карманами, широкие брюки для загородных прогулок, полумужские пиджаки из твида, вязаные свитера, пляжные пижамы. Удобства и практичности одежды Шанель достигала материалом джерси. Коко одной из первых модельеров поняла, какими огромными возможностями обладает трикотаж. Ее платья, пальто и костюмы из джерси завоевали мир. В США они произвели фурор, так как американская нация с восторгом принимала все новое и удобное. Коко была одержима идеей создания интернационального стиля, не подвластного кризисам моды. Она говорила: «Я не люблю, когда говорят о моде Шанель. Шанель — это прежде всего стиль. Мода выходит из моды, а стиль — никогда». Элегантность в понимании Шанель означает избавление от всего лишнего. Она ввела понятие «нормальная длина», когда юбка прикрывает колено приблизительно на ладонь, а с помощью джерси доказала, что женщине не нужно переодеваться в течение дня. Ее маленькое черное платье с длинной нитью искусственного жемчуга стало бестселлером. Модели Шанель особенны своей простотой и элегантностью, в них есть шик и чистота стиля (рис. 2.13). Гениальную простоту нельзя ни повторить, ни скопировать.
После эмиграции в период войны и некоторого застоя в творчестве Коко, будучи уже в преклонном возрасте, возвращается в Париж и создает «костюм Шанель», окончательно сделавший ее имя в мире моды бессмертным. Костюм Шанель — это классика в разных обликах, с обязательной декоративной тесьмой на пиджаке, а также аксессуары, характерные только для него. Шанель заставила принять ее творчество как идеал того, к чему должен стремиться кутюрье. Букет изысканнейших ароматов был создан ее Домом: «Шанель № 5», «Шанель № 22», «Гардения», «Cuir de Russie» («Русский дух»), «Шанель № 19». Последние она создала за год до смерти. Сегодня руководителем ее Дома моды является Карл Лагерфельд.
Эльза Скиапарелли (1890 — 1973) — авангардистка в моде 1930-х годов. Оказавшись в Париже в 1920-е годы, эксцентричная и талантливая итальянка сразу привлекла к себе внимание модной публики. Будучи дочерью известного астронома, она с рождения вращалась в экстравагантной интеллектуальной среде. Увлекавшаяся сюрреализмом и арт-деко (авангардные течения в искусстве XX в.), впечатлительная и эмоциональная по натуре, она создала много удивительных, иногда потрясающих своей необычностью вещей. Первой был черный свитер из трикотажа с белым бантом-обманкой, вывязанным так, что он казался настоящим. Благодаря этой модели Эльза получила заказ на создание крупной партии спортивной одежды из трикотажа для известного магазина «Strauss». Вскоре Эльза разбогатела и в 1929 г. открыла собственный Дом моды, на десять лет позже, чем Шанель. Идеи и выдумки Скьяп (так называли ее друзья и поклонники) были необычными, шокирующими: белое платье с огромным красным омаром, изображенным на юбке; карманы, клапаны которых напоминали выдвижные ящички комода; черные перчатки с золотыми коготками для «леди-вамп»; ожерелье из таблеток аспирина; пуговицы в виде французского луидора; украшение в виде пугающе похожих на живых насекомых. Понятие «шок» Скиапарелли взяла себе на вооружение в качестве негласного девиза. Водя дружбу с сюрреалистом Сальвадором Дали и другими представителями авангарда в искусстве, она мгновенно подхватывала и воплощала в жизнь их идеи. Скьяп первой начала давать названия коллекциям. Самая ранняя ее коллекция называлась «Стой, смотри и слушай». Следующие — «Астрология», «Бабочки», «Музыка», «Языческая». Буйная фантазия одаренной итальянки рождала новые шедевры. Она ввела в широкий обиход застежку «молния» и косой крой, хотя изобрели это другие, сконструировала сумочку-телефон из черного бархата с золотой вышивкой, а также изобрела и ввела в моду цвет лососины. Обожая розовый и его оттенки, она создала коллекцию под названием «Розовый шок» — и вновь удивила публику. Бутики и магазины Скиапарелли стали популярны у знаменитых покупателей: Mapлен Дитрих, Греты Гарбо, Мэй Уэст, Мишель Морган, Гарри Купера. Ароматы ее духов и флаконы для них были всегда оригинальны. Скьяп — первая конкурентка Шанель. Война вмешалась в творчество обеих. Скьяп уезжает в США, а Коко — в Швейцарию. Вернувшись из эмиграции, Скиапарелли уходит от дел. Времена изменились, в обновленном Париже не было места эксцентричной моде Эльзы Скиапарелли. Новые имена, Дома, дефиле... Все другое. Однако Шанель, которая была старше Скиапарелли, вернувшись в Париж на десять лет позже ее, вновь заняла самую высокую ступень на Олимпе моды. Но проиграла ли талантливая итальянка в этом споре от-кутюр? Созданные ею шедевры удивляют до сих пор. Сегодня они, может быть, более модны, чем раньше, ведь эта неординарная личность намного опередила свое время. Как и классика Шанель, авангард Скиапарелли теперь очень современен, а многие ее идеи реализовались лишь спустя полвека. Создавая авангардную моду, которую многие считали модой одного дня, Скиапарелли опровергла мнение о том, что авангард — преходящее явление.
Гений стиля «New Look» Кристиан Диор (1905 —1957), так же как Ворт, Пуаре, Шанель и Скиапарелли, совершил много удивительных открытий в истории мировой моды. Диор родился в начале века, все описанные выше события происходили на его глазах: «Русские сезоны», эра Пуаре, Шанель и Скиапарелли. С 1935 г. он уже рисовал эскизы для ведущих Домов моды, завалив их блестящими идеями. И лишь к своим сорока годам понял, что жизнь проходит, а он еще ничего не добился. В декабре 1946 г. он открыл свое дело, а в феврале 1947 г. уже показал первую коллекцию, которая произвела фурор. Это было дефиле, которого давно ждала модная публика. Мужеподобный стиль военных лет основательно надоел, но ничего нового модельеры не предлагали. И вдруг — «бомба Диора», мгновенно перевернувшая все представления о моде и о женщине. Холеные и трогательно-женственные манекенщицы шли по подиуму, как истинные аристократки. Их наряды были потрясающе красивы. Платья и костюмы с затянутыми талиями, широкими юбками и элегантными шляпами подчеркивали длинные шеи, покатые плечи, тонкие талии — ту невероятную степень женственности, которой давно ждали не только мужчины, но и сами дамы. Показ закончился бурными овациями. Дефиле стало мировой сенсацией. Американская журналистка Кермел Сноу, писавшая статьи о моде, назвала эту коллекцию, вернее это явление, New Look («Новый взгляд»). Буквально за несколько дней клиентками Кристиана Диора стали самые знаменитые леди мира: Грейс Келли, Эвита Перон, герцогиня Виндзорская, Принцесса датская, Марлен Дитрих и др. Диор был переполнен идеями, продуктивность его была фантастической. Кутюрье за короткое время создал множество коллекций, каждая из которых неизменно подчеркивала и усиливала нежность и женственность дамы, которой за тридцать. В 1947 г. он выпустил свои первые духи «Мисс Диор», затем «Диорама» и «Диориссимо». Через десять лет непрерывной работы, чувствуя необходимость в отдыхе, кутюрье отправился в Италию, где в октябре 1957 г. скоропостижно скончался. Мир был потрясен. От Диора ждали так многого, казалось, его талант мог раскрываться до бесконечности. Главой фирмы стал никому не известный юноша, ассистент Диора, Ив Сен-Лоран, такой же стеснительный, нервического типа, впечатлительный по натуре, такой же блестящий импровизатор. Молодого Лорана быстро вытеснили наследники Диора. Сейчас фирму возглавляет талантливый, хотя и не являющийся преемником идей Диора, Джон Гальяно.
Пьер Карден. Пьер Карден — единственный из плеяды кутюрье, кто является действительным членом Французской академии. Он родился в 1922 г. в Италии. В Париже он работает у знаменитых кутюрье, среди которых Скиапарелли и Диор. Вскоре у маэстро выработался собственный стиль, который воплотился в изысканной геометризации и лаконичности форм при некотором минимализме средств выразительности. Революционность творчества Кардена проявляется еще и в том, что он впервые разработал коллекцию готового платья для промышленного тиражирования, чем вызвал грандиозный скандал. Карден был первым кутюрье, оценившим ситуацию на рынке одежды. За создание коллекций прет-а-порте профсоюз французских модельеров исключил его из своих рядов, но вскоре восстановил, так как стало понятно, что создание одежды прет-а-порте своевременно и неотвратимо. Французских кутюрье теснили бойкие американцы, быстро и умело распространяя по всему миру свои промышленные образцы и отнюдь не комплексуя по этому поводу. Благодаря Кардену настала эра прет-а-порте. Мастер всегда чувствует пульс времени. В 1960-е годы он одним из первых создал блестящие образцы «мини», а в эпоху «макси» — свои уникальные геометризированные модели. Кутюрье награжден премией «Оскар» за особые заслуги в создании моды, является кавалером ордена Почетного легиона, кавалером искусства и словесности. Сегодня Пьер Карден, Кристиан Диор и Ив Сен-Лоран — всемирно признанные гении моды.
Ив Сен-Лоран. Шанель и Диор стали воплощением славного прошлого, Ив Сен-Лоран — образцом законодателя моды в настоящем. Он родился в Алжире в 1936 г. В семнадцать лет Сен-Лоран за участие в конкурсе Международной ассоциации шерсти получил третью премию, создав платье для коктейля. Диор сразу же предложил ему место ассистента. Чутье не подвело его. Когда юноша нарисовал свои эскизы платьев с новым силуэтом, мастер был поражен тем, как совпали эти замыслы с его собственными.
Закончив Высшую школу дизайна в Париже, Сен-Лоран легко вошел в мир высокой моды. Неподражаемая Шанель ввела в моду понятие комфорта. Ив Сен-Лоран стал проводником этой идеи во второй половине XX в. Мягкая линия плеч, не акцентированная форма груди, не слишком подчеркнутая талия, естественные линии и никакого пафоса. Вот его знаменитая фраза: «Больше всего я ненавижу буржуазный шик — идеальную укладку и непременную брошку». Сен-Лоран также говорил: «Диор обучал меня ремеслу, а Шанель помогла найти стиль». Шанель признала его, как и Диор, она считала его достойным преемником и продолжателем своих идей. Сен-Лоран относится к тому разряду художников, которые не стоят на месте и не работают в одном, выбранном раз и навсегда стиле.
Покинув Дом Диора, он в 1961 г. открыл свой собственный и стал законодателем новой моды. Уже тогда Сен-Лорана воспринимали как символ элегантности и истинного парижского шика. Как и Шанель, он избегает крайностей и не пытается шокировать публику, поэтому его открытиями в области моды пользуются до сих пор. Мы знаем, что брюки дамам предложила Шанель. Но в широкое употребление они вошли благодаря Иву Сен-Лорану, который разработал модели брючных костюмов и вечерних смокингов. Он утверждал: «Брюки — не символ равенства, а орудие кокетства». Лоран создал много модных стилей: ретро, экзотика, сафари. В рамки идеального, высокоэстетичного вкуса кутюрье смог вместить и африканский примитивизм, и русскую избыточность, и откровенную цыганщину.
Мастер создал огромное количество коллекций прет-а-порте. Талант его настолько мощный, что практически ни один кутюрье не избежал его влияния. «Русские балеты», коллекция по мотивам творчества художника-абстракциониста Пита Мондриана, костюмы для кинозвезд, например для Катрин Денев в фильме «Дневная красавица», наряды для Марии Калас и многое-многое другое создал великий Ив Сен-Лоран за свою творческую биографию. Его считают живым классиком. Сегодня Ив Сен-Лоран — самый цитируемый после Шанель кутюрье. Вот мнение о нем в журнале «Vogue»: «Коко Шанель и Кристиан Диор — это титаны, а Сен-Лоран — гений». Наверное, должно пройти время, чтобы придумать еще более точное и сильное определение его таланта.
Мэри Куант и мини-мода. В 1960-х годах в моду стремительно вошло мини. Как же случилось, что эта мода, не такая уж удобная, требовавшая от женщины идеальной фигуры, длинных ног и навлекшая на себя столько протестов со стороны общественности, продержалась так долго и популярна до сих пор? Молодая англичанка М. Куант, окончившая школу искусств в Лондоне, однажды резко и надолго изменила взгляд на молодежную моду XX в. В 1955 г. она вместе с мужем открыла свой первый магазин «Bazaar». Куант продавала там свои собственные изделия, которые отличались простотой фасона и почти прямым силуэтом. Мини - юбка и прямой лиф с опущенной на бедра линией талии, «геометрическая» стрижка, свитер, минимум аксессуаров, тонкая шея, худые плечики и длинные ноги — этот трогательный образ девушки-подростка, предложенный Куант для молодежи шестидесятых, был воплощен топ-моделью тех лет Лесли Хорнби, больше известной по прозвищу Твигги (пер. с англ. — прутик, веточка). После показа в 1967 г. В Париже своей коллекции Куант продала сразу более тридцати тысяч изделий. Можно сказать, что с этого момента мода утратила свой элитарный характер и стала доступной для всех. Мини-моду с восторгом восприняли такие модельеры, как Пьер Карден, Андре Курреж и др., а также звезды кинематографа, принцессы и даже жены президентов. Жаклин Кеннеди, Катрин Денев, Бриджит Бардо носили мини-платья, шлычки-таблетки и туфли на низком каблуке, пропагандируя таким образом «мини». За изобретение этого стиля английская королева Елизавета наградила Мэри Куант орденом Британской империи. В ответ Куант высказала идею многих модельеров XX в.: «Мне хотелось бы, чтобы у молодежи была своя собственная мода».
Хиппи. В середине 1960-х годов в Европе и Америке распространилось движение хиппи. Молодежь взбунтовалась против привычных ценностей своего общества, что проявилось и в одежде. Длинноволосые хиппи носили джинсы, армейские рубашки, романтические блузы с рисунками на этнические мотивы, бархатные брюки, отказались от пиджака и галстука. Все это было модой «наоборот» — антимодой. Название движения произошло от слова «хип» (терпимость), заимствованного из среды джазовых музыкантов. Хиппи также называли «детьми цветов». Благодаря хиппи, появились джинсовый и этнический стили. Молодежь и более старшее поколение с удовольствием носят джинсовые юбки, туники, турецкие шаровары, прозрачные юбки и платья.
Панки. Во второй половине 1970-х годов в Лондоне появились первые панки — молодежь, которая стремилась шокировать публику своим видом и пристрастиями. Молодые люди собирались в бутике Вивьен Вествуд, где продавались мешковатые брюки и пиджаки, байкерские куртки (от англ. bike — мотоцикл) и многое другое, что резко отличалось от обычной молодежной одежды. Совладелец бутика Мак-Ларен организовал музыкальную группу «Sex Pistols», став своеобразным идеологом панков. В отличие от хиппи панки враждебны ко всему и шокируют публику. Их стиль — эпатаж, эстетика помойки: черная кожа, рвань, многослойность одежды, обилие металлических аксессуаров, вызывающий макияж с чертами агрессии и угловатости в лице, пирсинг и прически-ирокезы, у девушек — черные колготки в сеточку, тяжелые ботинки и бюстгальтеры поверх свитеров. Сегодня этот стиль обыгрывается в коллекциях модельеров с целью сделать одежду неординарной.
Гранж. Стиль «гранж» также проповедует «эстетику помойки». Grange в переводе с французского означает «грязный». Стиль родился в среде музыкантов под влиянием группы «Nirvana». Одежду стиля «гранж» отличают бесформенность и выцветшие, грязные оттенки, имитирующие старые, застиранные вещи. Приверженцы стиля отвергли накопленное веками отношение к костюму, как к средству придания человеку благородного облика, привлекательности, а порой пристижности.
Яппи. Противоположный подход к костюму и внешнему виду проявился в одежде яппи, молодых представителей деловой элиты Америки 1980-х годов. Изысканно-элегантная, дорогая одежда от престижных фирм подчас скрывала их истинные, иногда скромные доходы.
Стили рубежа тысячелетия. В первой половине 1990-х годов гранж сменила новая волна — этнический и экологический стили. Этнический стиль выразился в возросшем увлечении пирсингом и татуировками, копиями рисунков для татуировок украшалась одежда. Экологический стиль пропагандировал одежду из натуральных тканей.
С 1995 г. в моде царствует гламур — стиль, утверждающий женственность, нежность, роскошь. С 1997 — 1998 гг. наступила эпоха моды минимализма (лаконизм, отсутствие лишних деталей, хороший крой). В наивысшей степени стала проявляться демократизация одежды — ценность обрели индивидуальность, самовыражение, а стереотипы и правила хорошего тона в одежде потеряли свою приоритетность.
Итальянский дизайн одежды — это яркое явление в мире моды, особая школа и особый подход к созданию стильного образа. Алъта-мода (высокая мода «по-итальянски») занимает не такую уж большую нишу в модной индустрии страны. По-настоящему Италия прославилась своими коллекциями алъта-мода пронта (уровень прет-а-порте). С 1970-х годов итальянские модельеры, создающие промышленные образцы модной, стильной одежды, стали сильными конкурентами французских дизайнеров и кутюрье.
Милан — признанная столица моды. Здесь два раза в год проводятся сфилаты (дефиле) с демонстрацией одежды, обуви и аксессуаров. Весной проводятся сфилаты по показу летних, а осенью — зимних коллекций одежды. Итальянские сфилаты проходят в ярмарочных комплексах Милана, Болоньи и Флоренции, а также в залах отелей, дворцах, на открытых площадках и подмостках знаменитого театра «Ла Скала».
Джорджио Армани — кумир 1970-х годов, король блейзера — клубного пиджака, часто демонстрирует коллекции в своем Театре моды на улице Боргонуово в Милане. Более шестидесяти манекенщиц на подиуме протяженностью 50 м демонстрируют его коллекции. Армани считается родоначальником минимализма. Он старается не употреблять натуральные меха, считаясь с принципами и лозунгами «зеленых».
Валентино Гаравани — яркий «шестидесятник». Свои коллекции он показывает в собственном салоне в центре Милана, оформленном в духе ателье 1960-х годов. На стенах — картины и портреты актрис, с которыми работал маэстро: Марлен Дитрих, Одри Хэпберн, Софи Лорен. Все вызывает ностальгию по «золотым» шестидесятым. Гаравани считает, что в одежде главное — элегантность. Часто использует высококачественные шерстяные ткани итальянской фирмы Мардзотто. Качество этой ткани оценили все модельеры и производители.
Услугами этой фирмы пользуется и Лаура Бьяджотти — королева кашемира. Она проживает в замке Бьяджотти близ Рима. Лаура сумела создать гардероб из шерстяных вещей, который умещается в один чемодан. Это — пиджаки, накидки и юбки светлых тонов. Такой гардероб можно взять с собой в путешествие и надеть в любой ситуации, не пользуясь утюгом. «Чемодан без проблем» — так назвали ее идеи журналисты, Сама Лаура — эталон классической элегантности.
Доменко Дольче и Стефано Габбана (их товарный знак — «D&G») — авторы суперсмелой коллекции «OSE» (секси) из темных прозрачных платьев. Страсть, чувственность, романтизм, женственность воплотились в платьях-комбинациях, нарядах из струящегося шелка с кружевами. В последнее время кутюрье работают с дорогими тканями, отделанными вышивками или яркой набивкой. Последнее новшество — экстравагантная одежда от «D&G» теперь имеет черный фирменный лейбл, а повседневная — белый.
Джанни Версаче (1946 — 1997). Талантливый маэстро одевал многих звезд: Мадонну, Стинга, Тину Тернер, Принца и др. Поклонницами его творчества были принцесса Диана и дочь шейха Брунея — почетная гостья на всех его сфилатах. Версаче придумал, пожалуй, самую эротичную, вызывающе экстравагантную, стильную, наполненную особой эстетикой одежду, против которой не могли устоять ни звезды шоу-бизнеса, ни богатая, амбициозная публика, ни даже так называемые новые русские, одно время скупавшие одежду от Версаче.
Итальянская одежда славится во всем мире. Об альта-мода и альта-мода пронта можно говорить долго — слишком уж красиво все, что делают талантливые итальянцы.
В 1919 г. по инициативе известного модельера Надежды Ламановой были основаны «Мастерские современного костюма». Ламанова — одна из немногих представителей мира высокой моды — не стала эмигранткой после революции в России. Поль Пуаре несколько раз приглашал ее работать в Париж, но она осталась верна своей стране и в условиях глубокой нищеты создавала моду нового общества. Модный силуэт в западной моде тех лет совпадал с силуэтом и формой русской народной рубахи, к тому же в Париже в то время были модны одежды в русском стиле. Не желая отставать, Ламанова активно применяла народные принципы кроя и орнаментации в создании костюма. Коллекция, созданная авторским коллективом под ее руководством и экспонировавшаяся на Всемирной выставке в Париже 1925 г., получила высшую награду — Гран-при. Высоким жюри была отмечена национальная самобытность коллекции в сочетании с современным модным направлением. Каждую модель дополнял головной убор, сумка и украшения — из бечевки, шнура, соломки, вышитого холста, а также бусы из ракушек и камешков.
Вера Мухина подходила к работе, как скульптор: буквально «лепила» костюм. Ее модели — не просто костюмы, это художественные образы, например эстрадное платье из тафты, разработанное в 1923 г.
Александра Экстер, талантливая художница и модельер, создавала удивительно элегантные одежды геометрического характера. Она первая среди модельеров обратила внимание на исторический костюм как источник вдохновения для модельеров.
В послевоенные годы в СССР мода существовала как элемент плановой экономики. Направления в моде разрабатывались специалистами Всесоюзного института ассортимента изделий легкой промышленности (ВИАЛегпром). Материалы с модными тенденциями и документация к ним рассылались по промышленным предприятиям всей страны. Дома моделей в союзных республиках вносили в них коррективы с учетом национальных традиций и особенностей. Главным в стране был Общесоюзный Дом моделей одежды (ОДМО), которого уже не существует. В 1960-е годы в ОДМО работали высококлассные специалисты: Тамара Макеева, Тамара Файдель, Татьяна Осьмеркина, Лина Телегина, Александр Игманд (художественный руководитель ОДМО). В 1967 г. в Москве состоялся Международный фестиваль моды. Были приглашены ведущие специалисты из большого числа международных Домов моды со своими коллекциями. Большим событием был приезд в Москву Габриэли Шанель. Гран-при фестиваля был присужден Тамаре Осьмеркиной за модель «Россия». В последнее десятилетие начала возрождаться отечественная индустрия модной одежды. Над созданием одежды для массового потребителя работали и работают А.Зубец, А.Греков, Н.Нафталиева, И.Чапурин и другие. Большинство изделий этих дизайнеров отличается доступными ценами и универсальностью в использовании. Хочется сказать и о таких мэтрах отечественного дизайна, как Вячеслав Зайцев и Ирина Крутикова.
Вячеслав Зайцев родился в 1938 г. в Иванове. После окончания с отличием Московского текстильного института в 1962 г. работал в Общесоюзном Доме моделей одежды, а в 1982 г. открыл свой Дом моды. Уже в 1965 г. многие кутюрье признали его талант и назвали «красным Диором». Зайцев — ведущий модельер России, он придерживается классических традиций. Его коллекции проникнуты духом любви к старине, народным традициям служения красоте: «Тысячелетие Крещения Руси», «Русские сезоны в Париже», «Ностальгия по красоте», «Листая памяти страницы», «Посвящение» и многие другие. Он находится в постоянном поиске гармонии, стремится к чистоте стиля, изысканности форм и силуэтов. Вячеслав Зайцев является почетным гражданином Парижа, а с 2001 г. — членом-корреспондентом Российской академии художеств и действительным членом Академии ювелирного искусства. Ирина Крутикова — дизайнер удивительного таланта. Она родилась в 1937 г. в Москве, в 1954 г. поступила в Московский текстильный институт, а в 1957 г. была направлена на учебу в Германию. Возможно, как модельеру, работающему с мехом, ей нет равных. В 1967 г. в Москве на Международном фестивале моды она показала уникальную коллекцию юбок, пальто и костюмов из меха, за что получила диплом и медаль фестиваля. Затем была череда показов изумительных по красоте и оригинальности коллекций из различных мехов и награды, награды, награды. В 1989 г. на Конгрессе скорняков, а затем в 1991 г. на Международной оптовой ярмарке в Германии ее коллекции были признаны лучшими. В 1996 г. на Неделе высокой моды в Москве она награждена «Золотым манекеном», а в 1999 г. во Франкфурте И.Крутиковой присужден «Гран-при SWAKARA» за большой вклад в мировую моду. Ее знаменитые коллекции «Птицы» (1992 г.) и «Бабочки» (1994 г.) до сих пор поражают и удивляют неординарностью решения и красотой. Сегодня в России успешно работают и другие модельеры, признанные за рубежом; среди них — Валентин Юдашкин, Александр Зубец, Игорь Чапурин, Катя Леонович и др.
В глубокой древности благовония и душистые эссенции женщины разных народов хранили в красивых сосудах. В Древнем Египте знатные дамы в изобилии пользовались косметическими и парфюмерными средствами, которые держали в сосудах, флакончиках, коробочках и баночках из алебастра, фаянса, дерева. Очень красивы были стеклянные сосуды с узором из стеклянных нитей на их поверхности. Изящные туалетные ложечки были обязательным приложением к косметическим и парфюмерным средствам египтянок. А вид и конструкции туалетных шкатулок говорили о том, что ремесленники, выполнявшие их, хорошо знали мир женщины и ее психологию. Шкатулка была многофункциональна и напоминала пенал. В ее верхнем ярусе имелась емкость для хранения бронзового зеркала, рядом располагались ячейки для туалетных приспособлений: ложечек, палочек и др. В нижней, выдвижной части шкатулки, в баночках и сосудах помещались мази, крема, благовония, косметические краски и грим. Как видим, первые упаковки и приспособления для косметики и парфюмерии были разнообразны и многофункциональны. Дивным по красоте является сосуд для благовоний, украшенный львенком: он найден в гробнице Тутанхамона. Сказочно прелестны сосуды из алебастра, покрытые тонким кружевом рельефной резьбы. В Древнем Риме каждая богатая патрицианка имела ящичек под названием «женский мир», где хранила все свои благовония, крема и эссенции, а также косметические средства. В эпоху Возрождения духи тоже разливали в красивые емкости. Как видим, история дизайна флаконов и упаковок для парфюмов имеет солидный возраст, исчисляющийся тысячелетиями. В центре Парижа, в двух минутах ходьбы от Гранд Опера, расположен Музей парфюмерии «Фрагонар», названный именем великого художника XVIII в., который был еще и знаменитым парфюмером. Музей хранит старинные флаконы, а в них — запахи ушедших эпох.
История Домов моды поведала нам о том, что все великие кутюрье, начиная с братьев Ворт, создавали свой парфюм. Каждая фирма предлагает запахи, ассоциирующиеся с именем кутюрье, его деятельностью и образами, которые он создал. Пуаре, как мы уже знаем, предложил целую линию духов с восточными ароматами, а с ароматом розы — для любимой дочери Розины. Аромат «Шанель № 5» вызывает в памяти эпоху молодой Коко и ее работы: матроски, брюки, маленькое-черное платье, а горьковатый запах «Шанель № 19» — образы начала 1970-х годов: классический костюм от Шанель, его изысканные аксессуары и шарм. Создание парфюма — не просто хобби, это искусство. К тому же производство и продажа парфюмерии — это большая статья доходов, позволяющая заниматься очень расточительным видом деятельности — созданием одежды от-кутюр. В значительной степени доходы от реализации парфюмерии восполняют огромные затраты на создание таких коллекций.
Поговорим о дизайне флаконов и упаковок для эксклюзивных ароматов. До начала XX в. дамы ходили в парфюмерные магазины со своими флакончиками. Такой флакончик — стеклянный, хрустальный или любой другой — можно было купить в магазине. Часто женщины покупали духи, разлитые в аптекарские скляночки, имевшие не слишком привлекательный вид. В 1907 г. известный парфюмер Франсуа Коти предложил знаменитому французскому ювелиру и художнику по стеклу Репе Лалику заняться изготовлением флаконов для духов. Лалик создал целую серию хрустальных флаконов для фирмы «Коти» и быстро приобрел славу великолепного дизайнера в этой области. У него появляется много заказчиков: Нина Риччи, Жак Герлен, Марсель Роша. Во всем мире знамениты духи Нины Риччи «L'Air du Teps», украшенные двумя голубками. Флакон для них придумал Рене Лалик. Создание флаконов и упаковок для духов стало идеей эпохи. Каталоги крупных универсальных магазинов Парижа, Нью-Йорка, Петербурга пропагандировали духи известных марок с изображением флакона, коробочки и указанием цены.
Шанель, выпустившая целую серию популярных духов, тоже придавала большое значение дизайну своей парфюмерной продукции. Духи «Шанель № 5», выпущенные в 1921 г., оформил Энди Уорхолл, известный представитель поп-арта, одного из направлений в искусстве XX в. Фирма «Картье», занимающаяся производством ювелирных украшений, часов и духов, также внесла свою лепту в дело развития дизайна флаконов. Популярна туалетная вода этой фирмы под названием «Panthere Cartier». Плоский, круглый флакон украшен стеклянной пробкой в виде шара, на котором лежит фигурка грациозной пантеры — символа фирмы. Коробка для флакона тоже очень красива: золото, серебро и терракота — три цвета, доминирующие в ее отделке.
Эльза Скиапарелли давала духам названия, которые начинались с буквы «S», первой буквы ее фамилии. Флакон для духов «Shocking» («Шок») она придумала вместе с художницей Леонор Финни. Вот как это произошло. Звезда мирового кино Мэй Уэст, которая одевалась у Скиапарелли, прислала ей данные своей фигуры и к ним приложила гипсовый слепок торса в позе знаменитой скульптуры Венеры Милосской, который натолкнул художницу Финни, подругу Скиапарелли, на мысль о форме флакона для «Shocking» в виде женского торса. Стеклянный флакон, наполненный золотистой жидкостью, закупоривается пробкой в виде букетика цветов. Мужские духи, которые выпустила Скиапарелли под названием «Suff» («Сафф»), разливались во флаконы в виде курительной трубки. Духи «Roi Soleil» («Король-солнце») были помещены во флакон, дизайн которого выполнил великий сюрреалист Сальвадор Дали (с ним Скиапарелли дружила до конца жизни).
Дизайном флаконов для духов занимаются многие известные художники, стилисты, парфюмеры. Дочь Пабло Пикассо для своих духов «Палома Пикассо» изобрела флакон, напоминающий по форме и виду серьги, придуманные также ею. В 1992 г. внучка Рене Лалика Мадам Лалик создала духи «Lalique de Lalique». Этот очень эксклюзивный товар выпускается маленькими партиями в хрустальных флакончиках ручной работы. Каждый год вид и форма флакончика меняются, так как формочки, по которым создаются флаконы, уничтожаются. Вот уж поистине находка для коллекционера! Мадам Лалик создала серию ароматов под названиями: «Жимолость», «Музы», «Обнаженная», «День и ночь» и др. Более пяти лет выпускается линия мужских духов — во флаконах, разработанных по мотивам работ Рене Лалика, украшавших радиаторы автомобилей в 1930-х годах. Мадам Лалик активно работает над созданием новых форм емкостей для духов. Известен ее флакон для духов «Le Baiser» («Поцелуй»), напоминающий брошь, которую в 1904 г. создал ее дед.
Сегодня дизайну парфюмерной продукции придается огромное значение. Весьма оригинален, например, флакон для туалетной воды «Persive» фирмы «Avon», напоминающий кусочек льда. Простая, но очень стильная упаковка у духов «Kenzo», названных по фамилии выпускающего их известного кутюрье. Вячеслав Зайцев создал духи «Маруся», которые отличаются нежным запахом и разлиты в красивые цветные флаконы, напоминающие силуэты древнерусской архитектуры.
