Сайт образовательно-информационного
сетевого издания «Звуки Красок»
сетевого издания «Звуки Красок»
В мраморе одновременно кроются образы и возвышенные, и грубые в зависимости от того, что умеет извлечь из них наш гений...
Микеланджело Буонарроти
Кто такой скульптор? Чем интересна и уникальна его деятельность? Так ли уж трудно выучиться на скульптора? Почему скульптура и скульптурная деятельность были не в почете в России до XVIII в.? Что такое чеканы и патинирующие средства? Что такое барельеф, горельеф, контррельеф? Чем интересна деятельность скульптора-медальера? Что такое аверс и реверс? Из какого материала изготовила советский скульптор Вера Мухина монумент «Рабочий и колхозница» для Всемирной выставки в Париже 1937 г.? Почему среди скульпторов так мало женщин? На эти и многие другие вопросы ты найдешь ответы в разделе «Скульптура».
Профессия скульптора — одна из самых престижных и наиболее древних творческих профессий. Чем занимается скульптор? Он создает художественные произведения из глины, камня, бронзы, кости, керамики, фарфора и других материалов. "Sculptura" происходит от латинского "sculpo", что означает «высекать», «вырезать». Существуют два вида скульптуры: рельеф и круглая (трехмерная) скульптура.
Грамотность в скульптуре — это полное знакомство с наследием мировой скульптуры... это, наконец, умелое обращение с материалом как в скульптуре, так и в рисунке, обязательном для скульптора.
М.Г. Манизер
Рельеф располагается на плоскости стены и может быть выпуклым или углубленным. Если рельеф выступает наружу, т.е. является выпуклым, его называют барельеф или горельеф. Горельеф — это сильно выступающий, так называемый высокий рельеф, напоминающий объемную скульптуру, как бы выходящую из плоскости стены. Барельеф — это рельеф невысокий, слегка выступающий над поверхностью. Рельеф, углубленный в плоскость, называют контррельефом. Он встречается реже, чем барельеф или горельеф. Умело сочетали в своих монументальных композициях контррельеф и барельеф древние египтяне.
Круглую скульптуру в отличие от рельефа можно обозреть со всех сторон. Она трехмерна, объемна и свободно расположена в пространстве. Скульптура по своему предназначению бывает монументальной, станковой, монументально-декоративной. Параллельно с этими видами скульптуры всегда развивалась скульптура малых форм (мелкая пластика). Произведения монументальной скульптуры служат для восприятия большими массами людей и воплощают в своем художественном образе большие общественные идеи. К станковой скульптуре относятся камерные произведения: портреты, бюсты, жанровые сцены, которые органично вписываются в интерьер и могут стоять как в музее, так и в обычном помещении. Скульптура малых форм, или мелкая пластика, занимает промежуточное положение между скульптурой и произведением декоративно-прикладного искусства. Это — кабинетная скульптура: статуэтки жанрового характера, настольные бюсты, фигурки животных, а также мелкая рельефная пластика: плакетки, медали, камеи и др.
Тяжел ли труд скульптора? Труд скульптора интересен, почетен, но нелегок, особенно труд монументалиста. Ведь он связан с затратой физических сил. Здесь нужно иметь крепкое здоровье и быть физически выносливым. Вот почему среди скульпторов-монументалистов, и даже станковистов, так мало женщин. В России в период существования СССР наиболее прославленными женщинами-скульпторами были А.Голубкина и В.Мухина. По жанрам скульптура подразделяется на портретную, бытовую (жанровую), анималистическую (изображение животных), историческую, пейзажную и др. Наиболее распространенным жанром скульптурного творчества является портрет. Это может быть статуя во весь рост, бюст, голова, а также групповая композиция. Среди портретного жанра наиболее популярным является бюст. По композиционному построению эта форма портрета в скульптуре наиболее приемлемая и удачная, используется с давних пор.
Важное значение имели скульптурные произведения в жизни древних египтян. В Египте с очень глубокой древности развивались все виды объемной скульптуры: монументальная, станковая, скульптура малых форм, а также барельеф и контррельеф. Монументальные изваяния фараонов и сфинксов стояли в храмах и дворцовых комплексах. Большой Сфинкс, величественно возлежащий рядом с пирамидой фараона Хефрена, считается самым первым «чудом света». Египтяне изображали простого человека, фараона и даже бога в соответствии с определенными канонами. При этом абсолютное сходство человека и его посмертной статуи было обязательным. Почему египтяне так добивались сходства статуи с оригиналом? Потому что они верили в загробную жизнь. Египтяне считали, что, когда человек умирал, его душа покидала тело и некоторое время летала в земном пространстве. В это время умершего бальзамировали, а мумию хоронили в гробнице на западном берегу Нила. «Обретя» гробницу («вечный дом») со всем «необходимым» для загробной жизни, умерший «мог рассчитывать» на вечную жизнь только в том случае, если душа, полетав над землей, вернется к нему, т.е. найдет свою прежнюю телесную оболочку. «Узнать» свое забальзамированное тело душа «могла» лишь в том случае, если в гробнице стояла статуя умершего, являвшаяся его точной копией. Вот почему спрос на скульпторов и их работу в Египте был так высок. Итак, скульптор приступал к работе, помня о канонах, которые нужно было соблюдать. Обязательным считалось фронтальное изображение человека во весь рост. Женские и мужские статуи выглядели по-разному. Мужская фигура изображалась стоящей: одна нога вперед, словно человек делает шаг в направлении «вечной жизни», руки обычно опущены и прижаты к телу (при этом кисти рук сжаты в кулаки) либо одна рука, выставленная вперед, держит посох. При этом тело всегда было раскрашено красной охрой, одежды были белыми, волосы на голове — черными, а лицо и взгляд, устремленный в далекое пространство, должны были быть отрешенными от всего земного и суетного. Инкрустированные полудрагоценными камнями глаза сверкали и придавали облику статуи мистическую, совершенно неземную отрешенность. Однажды археологи, войдя в гробницу, были потрясены тем, как сверкнули глаза статуи, показавшейся им живой. Луч света, проникший в погребальное помещение, преломился в ее инкрустированных глазах. «Недобро» сверкнувшие глаза на какое-то время буквально ошеломили людей. Известна легенда о том, как крестьяне, помогавшие археологам, побросав инструменты, в ужасе побежали прочь, произнося два слова: «Сельский староста!». Археологи нашли тогда деревянную статую царевича Каапера, жившего в Древнем царстве. Обликом статуя царевича, пролежавшая в земле не одну тысячу лет, была удивительно похожа на старосту той деревни, из которой были наняты крестьяне-землекопы.
Сохранилось много статуй фараонов, цариц, жрецов и знатных людей Древнего Египта. Например, статуя писца Каи. Он сидит на полу, скрестив ноги, словно живой, деятельный, готовый прямо сейчас развернуть свиток чистого папируса и начать писать прошение, только подойди и попроси... Лицо его приветливо и умно. А вот статуя жреца Ранофера изображает красивого статного мужчину. Белые одежды облегают смуглое тело, плечи расправлены, голова чуть приподнята, взор устремлен вдаль. Скульптор мастерски передал его строгий и горделивый взгляд, выдающий умного и волевого человека. Портрет Тутанхамона демонстрирует нам другой образ. Скульптору удалось передать мягкость, нерешительность и даже робость его натуры. Известна история о том, как испугался землетрясения на острове Крит этот юный, изнеженный царевич. Мгновенно взбежал он на свой корабль и через пять дней пути по Средиземному морю уже был в Египте. Из-за мягкости своего характера Тутанхамону трудно было править Египтом после легендарного Эхнатона: он неожиданно умер в юном возрасте, в расцвете сил. Если посмотреть галерею скульптурных портретов прекрасной Нефертити, то можно заметить, что любимая жена Эхнатона изображалась скульпторами в разном возрасте и в моменты различного духовного состояния. На портретах она то мягкая и нежная, робкая девушка, то строгая и надменная, как подобает царице. Скульптор Тутмос, создававший ее портреты, будучи талантливым психологом, тонко подмечал ее настроение. Портретная скульптура Древнего Египта прекрасна, мастерство скульпторов виртуозно: оно совершенствовалось в течение тысячелетий. На египетских рельефах изображения людей нисколько не уступают по своей выразительности объемной скульптуре. Рельефы, как и статуи, изображались и раскрашивались также в соответствии с канонами. Но это были уже другие каноны. В эпоху Эхнатона и Тутанхамона искусство египетского рельефа достигло своего наивысшего расцвета. Скульпторы стремились передать не только внешнее сходство, но и внутреннее состояние персонажей. Портреты Нефертити, Эхнатона, Тутанхамона и его жены, рельефы этого времени — шедевры в области станковой скульптуры. История сохранила нам имена некоторых скульпторов Древнего Египта. Это — Иртисен, живший в эпоху царицы Хатшепсут и украсивший своими произведениями ее гробницу; Тутмос, который был придворным скульптором Нефертити и Эхнатона; знаменитые Бек и Юти, имевшие большие мастерские, где обучали скульптурному мастерству молодых художников. Мелкая пластика также в изобилии представлена в египетской скульптуре. Статуэтки слуг и рабов, выполненные в динамичных движениях, за работой, обязательно сопровождали умершего в потусторонний мир. Согласно египетской мифологии, они были помощниками покойного в его загробной жизни. Много фантазии вкладывали в эти небольшие по размеру произведения древние мастера. Мелкая пластика египтян поражает современного человека своим реализмом и выразительностью, красотой цветов и форм.
Если в Египте сходству статуи с человеком придавалось огромное значение, то в Древней Ассирии (север современного Ирака) к этому были абсолютно равнодушны даже цари. Чтобы понять причину этого, надо вспомнить, что за государство была Ассирия и какие люди в нем жили. Ассирия была государством военным, с грубыми нравами и жестокой религией, прославлявшей захватничество, насилие, расправу и безжалостное уничтожение всего, что могло угрожать или мешать стране. Жестокость и сила были возведены там в культ. Скульпторы, изображавшие царя, должны были придерживаться этих идеалов, показывая его сильным и мощным, с крепкой и коренастой фигурой, широкими плечами, «бычьей» шеей, большой головой с густыми курчавыми волосами, с крупными чертами лица — сросшиеся широкие брови, выпуклые глаза, большой нос, пышные усы и огромная борода. Под маской спокойствия скульптор умел передать природную жестокость и свирепость... Таков идеал красоты царя-воина, царя-победителя в ассирийском государстве. Стоит ли говорить о том, что роль женщины была здесь низведена до рабского положения. Женских изображений тут практически не существует. Сохранился рельеф «Ашшурбанипалл с женой в саду», где изображен отдыхающий на ложе царь, а рядом с ним сидящая в кресле тихая, смиренная и покорная царица.
И вот на арену исторических событий вышла Греция, подарившая миру классическое наследие, образцовое искусство с его демократическими принципами и прекрасными идеалами. Еще раз вспомним, что пять «чудес света» из семи создали греки; среди них были два скульптурных произведения. Это — статуя Зевса Олимпийского: она не сохранилась, но воссоздан ее вид и статуя бога Солнца Гелиоса (так называемый Колосс Родосский). К V в. до н.э. греческое искусство достигло своего наивысшего расцвета. Мы уже знаем, что это время называют эпохой классики, а искусство, созданное в этот период, — классическим. Именно в этот период появились многие скульптурные шедевры. Статуя Зевса Олимпийского как раз относится к этому времени. Все мы знаем, что в Олимпии с глубокой древности проводились спортивные игры. В V в. до н.э. зодчему Либону было поручено возвести там храм, посвященный Зевсу. Либон построил прекрасный храм, использовав дорический ордер. Скульптор Фидий украсил его рельефами, а в наосе (алтаре) храма воздвиг статую Зевса, применив хрисоэлефантинную (от греч. chrysos — золото и elephantos — слоновая кость) технику: на деревянный каркас наклеивали пластины из слоновой кости и золота. Это было грандиозное изваяние сидящего на троне бога. Не верилось, что статуя царственного, прекрасного, мудрого и грозного Зевса была земным творением. Весть о «чуде света» разнеслась по всей Греции, а затем и по всему античному миру. Изображение статуи чеканили на монетах, а поэты воспевали ее в стихах.
"Зевс ли на землю сошел
И явил тебе образ свой, Фидий?
Или на небо ты сам,
Бога чтоб видеть, взошел?.."
Хрисоэлефантинная техника была дорогим видом отделки скульптурного произведения. Греки редко позволяли себе такую роскошь. Обычно слоновая кость передавала обнаженное тело, а волосы, одежда, украшения и предметы в руках статуи выполнялись из золота.
Эпоха классики, начавшаяся во времена греко-персидских войн, была насыщена героическим содержанием, на первом месте стояли такие идеалы, как доблесть и патриотизм. В человеке более всего ценились само обладание, высокая нравственность, любовь к родине, способность к самопожертвованию. Уважающий себя эллин никогда не проявлял на людях свои эмоции, чувства, переживания. Один из древнегреческих поэтов точно подметил это свойство характера своих современников:
"Слишком в беде не горюй
И не радуйся слишком при счастии
То и другое умей
Доблестно в сердце нести..."
В эпоху классики скульптор Фидий, автор статуи Зевса Олимпийского, применил свою излюбленную хрисоэлефантинную технику, создавая статую Афины для наоса Парфенона. Статуя Афины Парфенос олицетворяла собой красоту, чистоту и строгость. Хитон из литого золота, золотой шлем и другие золотые предметы оттеняли красоту ее тела, выполненного из слоновой кости. В наосе Парфенона хранилась государственная казна. Считалось, что Афина берегла этот древний банк. В казну стекались денежные средства и ценности из разных источников, в том числе и пожертвования. Наос Парфенона был поделен на два помещения: алтарь со статуей Афины и хранилище казны. История не знает ни одной попытки его ограбления. Когда государству требовались деньги, их брали из казны, но всегда старались возвратить. Были и периоды крайней нужды, когда в монеты переплавляли даже золотую одежду Афины, но с наступлением благополучных времен одежда вновь «возвращалась» богине, которая, впрочем, все «понимала» и обиды на греков «не держала». Прекрасная Афина Парфенос была любимицей афинян. Но и Афина Промахос (Воительница) пользовалась не меньшей популярностью. Ее статую тоже изваял Фидий. Он был другом Перикла — прогрессивного правителя Афин и инициатора постройки Акрополя. Перикл верил в талант Фидия и поручал ему ответственные заказы. Афина-Воительница была выполнена скульптором из бронзы и установлена в центральной части Акрополя в 449 г. до н.э. — за два года до начала возведения Парфенона. Она была создана в память о победе над персами, так как считалась покровительницей афинян в борьбе с врагами. Статуя была высокой: она достигала девяти метров, а копье, которое держала богиня, еще более возвышалось на постаменте. Если учесть, что Акрополь расположен на значительной высоте по отношению к городу, то можно поверить в исторические сведения о том, что при приближении к Афинам со стороны моря первое, что видели уставшие моряки, — золоченое острие копья Афины Промахос, сверкающее на солнце. Это было первое приветствие морским путешественникам. Видимо, и Перикл, и Фидий задумывали статую в первую очередь как доминанту композиции в центральной части Акрополя. Шествуя к храмам, греки неизбежно проходили мимо этого прекрасного изваяния и поклонялись ему.
Греки обожали раскрашивать статуи, а также рельефы на стенах и фронтонах храмов восковыми красками. Нежный светоносный мрамор натирали цветным воском, который сам по себе был прозрачным и легким. Статуи получались слегка тонированными, а их мраморные тела и лица казались теплыми, живыми. Эллинам с их богатым воображением казалось, что статуи дышат, живут, смотрят на них. Вот почему поэты так восторгались произведениями скульпторов и бесконечно воспевали их в своих произведениях.
В эпоху поздней классики скульпторы уже задумывались над передачей внутренних переживаний героев своих произведений. В это время в Элладе работали два талантливых, но очень разных по средствам выразительности скульптора Скопас и Пракситель. В работах Скопаса мы видим драматизм, взволнованность, страсть или трагизм героев. Например, скульптура «Раненый воин». Страдания человека переданы очень реалистично: голова запрокинута, глаза полны чувства боли. Очень динамична фигура Менады, спутницы бога вина Диониса, передающая ощущение стремительного движения, страстного порыва. Скопасу очень удавались такие напряженные, патетические образы. Совсем иной Пракситель. Пракситель умел мастерски передать умиротворенное, гармоничное состояние его персонажей даже при использовании, казалось бы, совсем скупых средств.
Эпоха, называемая эллинистической, также подарила миру прекрасных скульпторов. Один из них — Агесандр (или Александр) — создал статую Афродиты Мелосской, найденную на острове Мелос в 1820 г. Она известна еще как Венера Милосская (римское название статуи). Получив задание изваять богиню любви и красоты, скульптор гениально решил поставленную перед ним задачу. Выбрав для работы большую глыбу мрамора, он обратил внимание на то, что приблизительно половина ее имеет кремовый оттенок, а другая часть белоснежна, как сверкающая на солнце пена морских волн. Тело Афродиты Агесандр изваял из мрамора кремового, телесного оттенка, а нижнюю часть торса, покрытую драпировкой, выполнил из белоснежного мрамора. Драпировка, по задумке автора символизировала морскую пену, из которой, согласно легендам, родилась прекрасная Афродита. Словно живая предстает она сегодня перед посетителями Лувра.
Еще один достойный образ эпохи — статуя Ники Самофракийской скульптора Хареса. Греки любили и почитали крылатую богиню победы Нику. На острове Самофракия была создана ее прекрасная статуя, стоявшая на постаменте в виде носа настоящего корабля, на утесе на берегу моря. Обвеваемая ветрами и омываемая брызгами волн, каменная богиня стояла, подавшись вперед с боевой трубой в руке, словно оповещая мир о победе над египетским флотом. Сегодня статуя Ники венчает парадную лестницу в Лувре. И несмотря на то, что время не пощадило мраморную статую: у нее обломаны голова, руки и крыло, — высокохудожественное мастерство скульптора и сегодня восхищает зрителей. Афродита и Ника — два прекрасных женских образа, созданных более двух тысяч лет назад, пленяют нас сегодня не меньше, чем античных греков, заставляя разум вновь и вновь поражаться гению эллинских скульпторов.
Считается, что Харес и Агесандр были представителями родосской художественной школы, наиболее прославленной в искусстве Греции этого периода. Харес скорее всего являлся учеником Лисиппа, придворного скульптора Александра Македонского. Лисипп, бывший в свое время гувернером Александра Великого, конечно, повлиял на формирование вкусов и художественных взглядов полководца. Возможно, именно под влиянием Лисиппа Македонский задумался о величии греческого искусства и распространении его на Востоке. Харес создал еще один шедевр, «чудо света» статую бога Солнца Гелиоса, которая стояла на острове Родос. Согласно разным источникам, она имела высоту приблизительно 30 — 37 м. Колосс стоял с факелом в вытянутой руке, с венцом на голове, символизировавшим сияние солнечных лучей, и был своеобразной «путеводной звездой» для мореплавателей, видевших статую издалека. К сожалению, статуя погибла во время землетрясения. Однако остались описания Плиния, который восхищался скульптурой острова Родос. Кстати, американская Статуя Свободы, в создании которой принимал участие знаменитый Эйфель, напоминает этот шедевр как обликом, так и грандиозными размерами.
В то время, когда творили Харес, Агесандр и другие скульпторы, на Аппенинском полуострове стала быстро развиваться древнеримская цивилизация. К I в. до н.э. она достигла значительных военных и политических успехов. К этому моменту молодой и амбициозный Рим уже присоединил к себе значительные территории античного мира. Взор его был устремлен на богатую, прекрасную, высококультурную Грецию. Грубые римляне, восхищавшиеся греческим искусством, культурой, цивилизованным поведением и этикой эллинов, понимали, как отстают они в своем развитии. Завоевав Грецию, они считали ее своей культурной провинцией. Они копировали греческие мозаики, росписи и греческую скульптуру.
Римляне по-иному, чем греки, относились к искусству. Его потребление, а не преклонение перед ним, было важнее для них. Вот почему в римском искусстве мы подчас не можем узнать имя скульптора, создавшего то или иное произведение. Ведь римлянин относился к скульптору, как к ремесленнику, который за деньги обязан был выполнить его портрет: изваять бюст, голову или статую в полный рост. Потребительское отношение к искусству породило неуважение к профессии скульптора, живописца, зодчего.
Расцвет римской скульптуры приходится на II в. новой эры, когда скульпторы создали целую галерею портретов, потрясающих зрителя своим реализмом и глубиной передачи психологического состояния человека. Любимым материалом скульптора по-прежнему остался мрамор. Лица статуй теперь полировались до блеска. Матовый полупрозрачный мрамор при хорошей обработке начинает словно светиться изнутри, излучать тепло. Римские скульпторы изобрели новую манеру изображения глаз человека. Так называемый глубокий зрачок высверливали на фоне рельефно показанной радужной оболочки. Этот прием помогал скульптору передавать осмысленный, одухотворенный взгляд, отражающий внутреннюю самоуглубленность и работу мысли изображенных героев. Шедеврами этого периода являются: портрет императора Адриана, его жены Сабины, портрет негра, мальчика-ливийца, Марка Аврелия и многие другие произведения.
Минули века античности, а затем и мрачного Средневековья. Эпоха Возрождения, как мы уже знаем, ознаменовалась огромным интересом к греческому и римскому искусству. В Италии, имевшей античные традиции, раньше, чем где-либо, зародились новые тенденции в искусстве. Можно сказать, что Италия — родина Возрождения, а Флоренция — его колыбель. Из Флоренции вышли такие гении скульптурного творчества, как Донателло, Вероккио и Микеланджело Буонарроти.
Донателло (наст, имя — Донато ди Никколо ди Бетти Барди), первый крупный скульптор этого времени, жил в XV в., в эпоху раннего Возрождения. Именно он был тем смелым первопроходцем, который заложил основы развития скульптуры эпохи Ренессанса. Донателло родился в 1386 г. во Флоренции. К XV в. во Флоренции сформировался круг гуманистов — образованной интеллигенции, провозгласившей интерес к человеку и его месту в окружающей действительности. Гуманисты утверждали, что человек — венец природы и божественного гения, и искали подтверждение этому в античном искусстве. Многие современники Донателло занимались археологическими раскопками, находя обломки, а иногда и хорошо сохранившиеся античные скульптуры. Донателло раньше других занялся собирательством. Он имел коллекцию античных статуй, которые восхищали и вдохновляли его. Статую Святого Георгия для церкви Ор Сан-Микеле во Флоренции он создал как образ идеального человека под влиянием интереса к античным произведениям.
Статуя Давида, библейского героя, победившего великана, была выполнена Донателло по заказу Медичи, правителя Флоренции. Удовлетворяя вкус заказчика, скульптор представил Давида хрупким отроком в момент раздумий после жестокой схватки с врагом. Он изобразил Давида обнаженным — по аналогии с фигурами античных статуй. Совсем иным представлен образ Давида у Микеладжело, которого он создал в XVI в. Крепкий, мужественный молодой человек предстает перед зрителем гордым и грозным в момент, предшествующий схватке. В этом образе угадывается и античный Геракл, и Святой Георгий, созданный Донателло на восемьдесят лет ранее этой статуи. Какие разные подходы в создании образа Давида и как одинаково гениально воплощены идеи автора!
Вероккио, живший на сто лет позже Донателло, учил в свое время художественному ремеслу Леонардо да Винчи. Талантливый художник и скульптор, он создал замечательное произведение — конную статую кон¬дотьера Каллеони (наемного военачальника). Конная статуя кондотьера Каллеони — идеальное воплощение образа героя сражений. Тело воина словно вросло в седло, оно составляет монолит со статуей лошади, выполненной со знанием анатомии животного. Это как будто единый организм. Статуя очень динамична, несмотря на то что всадник и лошадь изображены в состоянии покоя. Кажется, сейчас прозвучит сигнал боевой трубы, и конь с седоком помчатся в гущу схватки, сметая врагов на своем пути. Такое стремление прочитывается и в облике коня, и в облике всадника, показанных в ожидании действия. Они словно хотят в бой и только ждут приказа. Донателло, задолго до Вероккио, совсем по-иному изобразил конную статую кондотьера Эразмо де Нарни. Его конь тучен и тяжеловат, как и сам наездник. Строгая простота и статичность прослеживается в каждой линии произведения. Но общим и для этой, и для статуи Вероккио является слитность животного и человека, невозможность существования седока и коня в этот момент друг без друга. Схожесть в воплощении образов объединяет две такие не похожие одна на другую скульптурых композиции, созданные великими скульпторами — Донателло и Вероккио.
Эпоху барокко, наступившую в XVII в. после Ренессанса, называют «золотым веком» искусства. И это понятно, ведь в эпоху Возрождения, подготовившей дальнейший путь развития искусства, было сделано все для того, чтобы последующие поколения художников больше никогда не работали в рамках тех условностей и ограничений, которые были у мастеров Средневековья.
В эпоху барокко скульпторы продолжали восхищать современников своими творениями. Лорепцо Бернини, архитектор и скульптор, работавший в Риме и создавший много прекрасных произведений, был одним из наиболее прославленных мастеров эпохи. Его заказчиками были главы католической церкви (папы), кардиналы и высшая знать. В перечень его скульптурных работ входят: статуя Давида, фонтан «Четыре реки» в Риме, портрет кардинала Боргезе, скульптурные композиции на мифологические сюжеты.
Во второй половине XVIII в., в эпоху классицизма, под влиянием раскопок в Помпеи во всей Европе началось серьезное увлечение античной культурой. В части 1 «Архитектура» уже говорилось о том, как воплотились идеи классицизма в архитектуре. Скульптура также испытала сильное влияние античности. Скульпторы в своем творчестве обращались к сюжетам из античной истории и мифологии, создавая образы прекрасных богов, героев, а также портреты современников, выполненные с использованием греко-римских традиций. Стиль классицизма широко распространился и в России. Если в Европе традиция скульптурного творчества существовала всегда, то на Руси, а затем и в России скульптура как вид художественной деятельности почти не развивалась. Это было связано с традициями православной церкви, приветствовавшей церковную живопись и запрещавшей всякие попытки оформить храмы скульптурой. Вспомним, что католическая церковь, напротив, поощряла это, чем способствовала бурному развитию скульптуры, уже начиная с эпохи Средневековья. Итак, к приходу к власти Петра Великого Россия не имела сложившихся художественных традиций в этой области. Петр I, будучи просвещенным и светским человеком, хотел ликвидировать это отставание. По его приказу в страну привозили купленные за границей скульптурные произведения, приглашали на работу в качестве придворных художников иноземных мастеров. Одним из таких скульпторов-иноземцев был Карло Бартоломео Растрелли, итальянец по происхождению, приехавший в 1716 г. по приглашению Петра I из Парижа. В 20-х годах XVIII в. он создал бронзовый бюст Петра I, применив для этого маску с лица царя, сделанную при жизни. Позже, в 1766 г., по приглашению Екатерины II в Россию приехал известный французский скульптор Этъен Морис Фальконе для работы над созданием памятника Петру Великому. Ему помогала его ученица Мари Колло, изваявшая голову Петра. Согласно историческим сведениям для этого она использовала все ту же. маску, выполненную в свое время Растрелли. «Медный Всадник» — такое на звание получил в народе этот прекрасный монумент. Фальконе хотел изобразить Петра I не как героя-победителя, а как великого созидателя России. Постаментом для конной статуи Петра служит огромная каменная глыба, найденная близ Петербурга, в народе названная «громкамень». Этот камень символизировал «дикую» Россию и одновременно олицетворял трудности, стоявшие перед Петром на пути к преобразованию страны. Помимо художественной ценности памятник знаменит оригинальным решением опорных элементов. Конь изображен вставшим на дыбы и имеет три точки опоры, две из которых — задние ноги коня. Змея у его копыт, символизирующая врагов, является незаметной и надежной третьей опорой для хвоста коня. Этот удивительно динамичный, прекрасный монумент был установлен на Сенатской площади в Петербурге в 1782 г. Лаконичная надпись на постаменте гласит: «Петру I Екатерина II». В конце XVIII в. Мари Колло (невестка скульптора) создала и мраморный бюст своего учителя Э. Фальконе.
В XVIII в. в России в области скульптурного творчества сложилась уже своя художественная школа. Ее представителями были Ф.И.Шубин (земляк Ломоносова), М. И. Козловский, Ф. Ф. Щедрин, И. П. Мартос, творчество которого продолжалось уже в XIX в. Именно эти люди, создавая свои произведения, развивали русскую скульптурную школу.
Член Академии художеств Федот Иванович Шубин был очень популярен в России. Он изваял множество портретов представителей русской аристократической верхушки в стиле классицизма. Особенно удавались ему женские образы. Шубин создал целую галерею портретов, в том числе бюсты Павла I и великого русского ученого Ломоносова. Еще один талантливый русский скульптор — Михаил Иванович Козловский — многое сделал для развития русской скульптуры. Некоторые его произведения посвящены темам из мифологии и выполнены в духе барочных традиций: в движении, сложных ракурсах, они передают эмоциональное состояние образов. Таков «Самсон, разрывающий пасть льва». Позолоченная статуя, символизировавшая победу России над Швецией, украшала Большой каскад фонтанов в Петергофе. В период Второй мировой войны статуя была безвозвратно утрачена. Сейчас на этом же месте сияет золотом ее точная копия. Еще одна прекрасная работа Козловского — памятник Суворову на Марсовом поле в Санкт-Петербурге. Скульптор изобразил А.В.Суворова могучим, как Геркулес. В римском шлеме и доспехах он олицетворяет идеальный образ героя. Скульптор, показавший великого полководца в традициях классицизма, не стремился передать сходство с оригиналом.
Скульптор Феодосий Федорович Щедрин был представителем семьи, из которой также вышли два известных живописца — Семен и Сильвестр Щедрины. Он прославился тем, что умел прекрасно изображать обнаженное тело, за что не решались браться многие русские скульпторы. Им выполнена также скульптурная композиция, украшающая здание Адмиралтейства в Петербурге. Традиции русской скульптурной школы славно продолжили представители последующих поколений в XIX и XX вв.
Иван Петрович Мартос был одним из наиболее талантливейших скульпторов России на рубеже XVIII — XIX вв. Вдохновленный поездкой в Италию, он вернулся в Россию влюбленным в классическое наследие римлян и мастеров эпохи Возрождения. Мартос создал целый ряд надгробий в стиле классицизма, представляющих высокую художественную ценность, а также украсил рельефом на библейскую тему здание Казанского собора в Санкт-Петербурге. Но всенародную любовь и признание скульптор приобрел за создание памятника Минину и Пожарскому в Москве (сегодня он стоит на Красной площади). На гранитном постаменте, украшенном рельефом, изображен сидящим раненый князь Дмитрий Пожарский и рядом с ним — стоящим — земский староста из Нижнего Новгорода Кузьма Минин, который одной рукой вручает Пожарскому старинный меч, тем самым призывая встать во главе русского народа в борьбе против польско-литовских и шведских интервентов, а другой рукой указывает на Кремль.
В предыдущих главах мы рассказали о возникновении и развитии разных видов скульптурного творчества. Рассмотрим, что представляет собой каждый их них.
Скульптор-монументалист создает монументальные произведения, которые устанавливаются в общественных местах с учетом градостроительных задач. Монументальные произведения — это памятники героям и выдающимся людям; монументы, символизирующие идеи государства и общества; памятники-ансамбли, посвященные героям войн; декоративные ансамбли, украшающие парки, бульвары, площади. Монументальные произведения имеют, как правило, грандиозные размеры и выполняются из долговечных материалов: гранита, бронзы, бетона и т.д. Как уже было сказано, монументальные произведения служат для восприятия их большими массами людей. Такие произведения существуют обычно в ансамбле с архитектурой. Они воздвигаются на площадях, улицах, в мемориальных комплексах, парках, часто являются гармоничным дополнением к общественным зданиям и, как правило, отражают значимые общественные события. Монументальные произведения создаются скульпторами в содружестве с архитекторами, ведь монументы должны быть гармонично вписаны в архитектурную среду. В истории мирового искусства монументальная скульптура играла важную роль во все времена, начиная с глубокой древности, так как имела сильное идеологическое воздействие на массы.
Начиная с Древнего Египта и Ассирии в течение многих эпох монументальная скульптура прославляла фараонов, царей, великих завоевателей, а также мифологических богов и героев. Первый монумент, поставленный в честь человека, прославившегося не своим знатным происхождением или воинскими успехами, а достижениями в области культуры, был сооружен скульптором Х.Кейсер в начале XVII в. в честь гуманиста эпохи Возрождения Эразма Роттердамского, создавшего бессмертное произведение «Похвала глупости».
Традиция сооружать памятники в честь великих людей: ученых, писателей, поэтов, композиторов — сформировалась приблизительно в XVIII —XIX вв. Прославление людей, являющихся лучшими представителями нации и ее духовным богатством, сделавших многое для потомков, понимается современным обществом как долг, как дань памяти таким людям.
Во Франции рубежа XIX — XX вв. великим скульптором-монументалистом был Огюст Роден — создатель ряда произведений, отразивших общественные идеи своего времени. В первую очередь это памятник гражданам Кале, в котором Роден отразил события Столетней войны между Францией и Англией, когда для спасения осажденного города Кале англичане потребовали шестерых его граждан из самых знатных фамилий. Эти люди должны были отдать ключ от города, а затем подвергнуться казни. Для спасения сограждан вызвались шесть человек. Создавая памятник, Роден глубоко проанализировал психологическое состояние каждого в этот трагический момент. Один идет с гордо поднятой головой: выбор сделан и назад пути нет. Старик, идущий рядом, задумался, склонив голову. Двое людей в отчаянии, ведь призрак смерти витает уже совсем рядом. Мужественные стараются поддержать павших духом. Это произведение, обнажившее и сильные, и слабые стороны героев, настолько поразило своим реализмом, что за его сооружение взялись спустя лишь несколько лет. Слишком правдиво, без пафоса и показного героизма был показан подвиг людей. Глубокий психологизм в раскрытии образов своих героев Роден показывал всегда. Он постоянно поражал современников неординарностью подхода к трактовке образов.
Россия тоже всегда была богата своими талантами, подарившими потомкам в том числе огромное количество произведений монументальной скульптуры.
В послереволюционный период в Советской России монументальная скульптура приобрела широкомасштабное значение, так как была призвана пропагандировать идеологию нового общественного строя и время строительства социализма как героическую эпоху. Монументальной пропаганде идей социализма должны были служить теперь и произведения скульпторов. Началось бурное осуществление указания коммунистической партии об установке памятников видным революционным деятелям в городах страны. Талантливые скульпторы, работавшие в СССР, создали много прекрасных произведений монументальной скульптуры. Одним из таких скульпторов была Вера Игнатьевна Мухина. В 1937 г. в Париже проходила Всемирная выставка, в которой принял участие Советский Союз. Павильон СССР венчала скульптурная группа «Рабочий и колхозница», которую специально для выставки создала Вера Мухина. Двадцатитрехметровая композиция из листов нержавеющей стали располагалась на ступенчатом павильоне, служившем одновременно ее пьедесталом. Все вместе — и здание, и монумент — представляет собой удивительно динамичную и слитную композицию, символизирующую прорыв в будущее.
Вера Мухина получила хорошее образование в Москве, а в 1912 — 1914 г. — дополнительное образование по скульптурному мастерству в студии Огюста Родена у его ученика, знаменитого скульптора XX в. А.Бурделя. Народный художник СССР В.И.Мухина была многогранной личностью. Она создала огромную галерею портретов известных людей, занималась теоретическими исследованиями в области скульптуры, увлекалась декоративно-прикладным искусством и дизайном. В послевоенные годы монументальная скульптура имела огромное значение. Началась созидательная жизнь, восстанавливались разрушенные города, строились мемориальные комплексы, посвященные героическому подвигу народа во время Великой Отечественной войны. Например, мемориал, посвященный обороне и подвигу Ленинграда в годы его блокады (скульптор М. Аникушин), мемориальный памятник-ансамбль на Мамаевом кургане в Волгограде (скульптор Е.Вучетич), мемориальный ансамбль в Новороссийске (скульптор В.Цигаль) и др. Много памятников, посвященных знаменитым героям, поэтам, писателям, космонавтам было создано в СССР в 1950 — 1980-е годы. Вот наиболее известные из них:
Алексей Евдокимович Криволапое, известный российский скульптор, заслуженный художник России долгое время возглавлял Волгоградскую организацию Союза художников России. Две его работы особенно дороги русским людям. Одна из них — Мемориальный комплекс «Солдатское поле». Много лет после войны у въезда в Волгоград оставалось неприкосновенным поле, покрытое осколками и снарядами, люди обходили его стороной. Наконец саперы разминировали его, а останки погибших солдат были захоронены недалеко от этого места. Поле засеяли рожью, а на братскую могилу легла гранитная плита с бронзовыми касками на ней. Напротив плиты, с другого края поля, стоит бронзовая фигурка девочки с васильком в руке. У ее ног — гранитный треугольник с воспроизведенным текстом солдатского письма.
Выпускники школ, которые хотят учиться профессии скульптора, должны знать, что скульпторы нужны не только в крупных городах, что талантливый и трудолюбивый скульптор может реализовать себя везде.
Теперь поговорим немного о монументально-декоративной скульптуре. Она украшает городские площади, парки, общественные здания, фонтаны. К монументально-декоративной скульптуре относят и рельеф, являющийся пластическим украшением зданий, и статуи атлантов и кариатид, поддерживающие вместо колонн выступающие части зданий, и скульптурные композиции на фронтонах и фасадах домов. Примером монументально-декоративной скульптуры является, например, «Самсон, разрывающий пасть льва» скульптора Козловского в Петергофе. Правда, она имеет и политический подтекст: Самсон здесь — фигура аллегорическая, под ней подразумевается личность Петра I, а лев олицетворяет образ врага (Швецию, в гербе которой присутствует изображение льва). Так что четкую грань между монументальной и монументально-декоративной скульптурой можно провести не всегда.
Скульптор, создающий станковую скульптуру, может работать в разных жанрах. Портретист создает бюсты и статуи людей, а также поясные портреты. Скульптор-анималист — фигурки животных. Небольшие скульптурные композиции с изображением животных прекрасно выглядят в парках, аллеях и скверах, зимних садах, обогащая ландшафт и гармонично вписываясь в природу. Анималист часто выполняет заказы по оформлению фонтанов, водоемов, бассейнов и зимних садов. Он работает обычно в содружестве с ландшафтным архитектором или дизайнером архитектурной среды (интерьера, экстерьера). Жанровые сценки также интересная тема для скульптора-станковиста.
Огюст Роден, являвшийся представителем импрессионизма в скульптуре, был новатором во многих направлениях своей деятельности. Как станковист он создал целую галерею портретов: бюсты Виктора Гюго и Бернарда Шоу, памятник Оноре де Бальзаку, а также большоеколичество жанровых композиций: «Вечная весна», «Поцелуй» и ряд других прекрасных произведений. Герои всех произведений Родена показаны с глубоким внутренним содержанием, а сами скульптуры имели ту особую пластику и светотень, которые мог создать только Роден. Интересно обращался скульптор и с природной фактурой материала, из которого создавал свои произведения. Часто он оставлял необработанными фрагменты скульптуры в виде так называемой «шубы» — шероховатой зернистой поверхности мрамора, зна¬ительно обогащавшей пластические возможности произведения.
Рубеж XIX — XX вв. в творчестве европейских скульпторов был особым. Скульпторы молодого поколения, так же как и живописцы, стремились уйти от «правильности» академизма, по-новому трактуя свои произведения. Это касалось как идеи, так и формы. Одни старались оставить на поверхности следы инструмента, другие намеренно сохраняли следы своих рук, пальцев, а третьи, как, например, скульптор-импрессионист П.Трубецкой, стремились создать скульптурные формы, используя плавные, текучие линии. Стремление не только использовать пластические возможности материала, но и выявить его фактуру и текстуру характерно было также для творчества А.С.Голубкиной, С.Т.Коненкова, А.Т.Матвеева. Анна Семеновна Голубкина получила художественное образование в Москве, закончила Академию художеств в Петербурге, а затем поехала в Париж, где у нее была собственная мастерская. Значительно повлиял на формирование ее творческих взглядов Огюст Роден, с которым она постоянно общалась. Голубкина прославилась в первую очередь как станковист. Ею создана целая галерея портретов, каждый из которых может служить образцом глубокого психологического подхода к раскрытию образа. Будучи натурой новаторской, энергичной, Голубкина создавала работы, не похожие на другие, проникнутые какой-то особой энергетикой. Так, в 1901 г. она создает символическую рельефную композицию «Море житейское», известную сегодня под названием «Пловец» или «Волна». Сюжет рельефа такой: в гуще вздымающихся волн плавают люди, впереди всех — пловец, такой же неукротимый, страстный в своем порыве, как и сама автор. Этот рельеф, наполненный движением и экспрессией, украшает фасад Московского художественного театра. Голубкина прожила при советской власти недолго: в 1927 г. талантливого скульптора не стало, а в 1932 г. в Москве в ее мастерской был создан Музей А.С.Голубкиной.
Сергей Тимофеевич Коненков прожил долгую жизнь — девяносто семь лет — и оставил огромное наследие. Он работал в основном как станковист, создавая портреты, сказочные композиции, образы, связанные с музыкой (например, образы Паганини, Баха), любил работать с разными материалами, много работал с деревом. Видимо, причиной тому было его крестьянское происхождение и интерес к народному деревянному промыслу, деревянной резьбе. Скульптор сочетал, казалось бы, несочетаемое: например, дерево инкрустировал цветным камнем. Он часто оставлял на поверхности скульптурной формы следы инструмента, создавая необычную фактуру, как, например, в работе «Старичок-кленовичок». А.Е.Криволапов как станковист создал также много лирических и поэтических образов, например композицию «Первая весна». С нежностью и теплотой скульптор показал рождение большого чувства.
Как вы узнали, к мелкой пластике относятся небольшие по размерам скульптурные произведения: статуэтки из глины, дерева, фарфора, кости, камня. Это всегда эксклюзивные, высокохудожественные произведения. Очень красивы, например, статуэтки из бисквита, неглазурованного фарфора, имеющего благородную матовую, чуть шероховатую поверхность. Или изделия, отлитые из бронзы и чугуна. Многие скульпторы занимаются наряду со станковой скульптурой и мелкой пластикой, получая от этого вида творчества огромное удовольствие.
Скульптор Вера Мухина, например, любила делать фигурки из стекла и фарфора. Из известных русских скульпторов много внимания созданию скульптуры малых форм уделял П.Трубецкой. «Кабинетная» скульптура Трубецкого пользовалась заслуженным вниманием публики.
К скульпторам, занимающимся созданием малых форм, относятся и скульпторы-медальеры. Они создают медали, монеты, плакетки из золота, серебра, сплавов и других материалов. Медальерное искусство возникло во времена античности и получило дальнейшее развитие в эпоху Возрождения. Богатейшие коллекции античных монет и медалей были у итальянских герцогов эпохи Возрождения Гонзаго и Медичи. Медаль — это своеобразный памятник эпохи. Медаль должна быть маленькой по форме, лаконичной по изобразительным средствам и иметь глубокое и емкое содержание. Ведь медали создаются к различным юбилейным датам, историческим событиям, в связи с великими научными открытиями и т.д. На лицевую сторону медали (аверс) наносят главное тематическое изображение, а на оборотную (реверс) — дополнительное, в виде изречения, надписи в сочетании с символом, аллегорией. В России знаменитыми медальерами были Ф.П.Толстой (XIX в.), И.Д.Шадр, О.Н.Комов и др. (XX в.). Интерес к этому виду скульптурного творчества не пропадает и сегодня.
